Entrevista Completa del Diario el Nacional para la Edición Aniversario del 2009

Cuestionario 2009

– Nombre:

– Abraham Gustin

– Signo zodiacal:

– Sagitario

– Hobbies:

– Leer, Cocinar, Practicar Tai Chi, tomarme una buena copa de vino tinto o una cerveza bien fría en un buen bar, escuchar buena música y conversar con buenos amigos…

– Mascotas:

– No tengo mascota, pero siento cierta preferencia por los Gatos.

– Música que prefiere: 

– Me gustan todos lo géneros de música, pero escucho con mucho más frecuencia jazz, world music, música clásica en toda su extensión. Por supuesto la música pop de los 60 a los 90 con preferencia al Rock Sinfónico y todas sus vertientes.

– Película preferida:

– Es difícil escoger solo una, pero podríamos mencionar algunas como “El tren de la vida” de Radu Mihaileanu, “La Doble vida de Veronique” de Krysztof Kielowsky y toda la trilogía “Rojo”, “Blanco” y “Azul”, “Hombre mirando al Sudeste” de Eliseo Subiela, “Otra Mujer” de Woody Allen, entre muchas otras.

– ¿Dónde y qué estudió?:

– Estudié en muchas partes y mucho de todo.. Ese periplo comenzó en la Escuela de Medicina de la UCV (carrera que nunca terminé pero en la cual estuve por casi 4 años), luego me trasladé a la Escuela de Arquitectura de la UCV y de allí terminé en la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas. Así mismo cursé estudios en el Instituto de Arte Federico Brandt por un período de 3 años. De muy joven pinté por casi 5 años en el estudio del Maestro Luis Alvarez de Lugo.

En la música hice un año del Conservatorio de Música Juan Manuel Olivares. Muchos años después tomé clases privadas de “Armonía I” con el maestro Gerry Weil y poco tiempo después estudié 5 años con un excelente pianista italiano radicado en nuestro país el maestro Mario Zampieri. Sin embargo no me queda la menor duda que en el campo de la música mi gran tutor y maestro fue mi padre Benjamín Gustin, a él le debo sin duda alguna toda mi vena musical y mi expresión como compositor.

– ¿Cómo llegó al mundo de las artes plásticas y la música? ¿Cuál de los dos llegó primero a su vida?:

Es largo y complicado responderte esta pregunta. Yo vengo de una familia eminentemente musical por la vía de mi familia paterna. Mi padre fue violinista cuando era joven y luego se desarrolló como compositor durante algunos años junto su hermana que fue una cantante muy conocida en su tierra natal, utilizando el piano como su nuevo instrumento de composición. Luego migra a Venezuela donde conoce y se casa con mi madre..

Qué mejor escuela que la de tu propia casa para desarrollar un talento. Como ya he comentado fue mi padre el eje para mi desarrollo musical, desde que tengo memoria vi a mi padre frente a un piano tocar a diario. Mis dos hermanos cursaron el conservatorio de música casi por completo, en fin, me crié en una familia vinculada a la música. En el caso de la artes plásticas ella aparece casi de forma muy espontánea, fue un llamado del alma que comienza a desarrollarse desde muy joven, no hay que yo sepa ningún antecedente de pintores en mi familia, pero si en las letras, aparte de la música como ya he comentado.

Desde los 7 años comienzo a explorar en cursos extra curriculares en los talleres del Museo de Bellas Artes, que con el tiempo se fueron convirtiendo en cursos más estructurados de arte, hasta que ingresé a la escuela de arte formalmente hablando, desde donde convertí las artes plásticas en mi profesión.

Es curioso que mi obra plástica era la imagen que se presentaba al público general.. La música en cambio fue siempre algo más íntimo, algo de consumo familiar, solo para los amigos más cercanos.. era un lenguaje de mi familia nuclear pues mis hermanos también componían al igual que mi padre.. Las fiestas familiares en casa eran más recitales de todos nosotros que cualquier otra cosa.. realmente muy divertidas.. Una tragedia familiar muy lamentable, hace que mi música salte a la palestra pública con mi primer disco llamado “La Casa de David”, en homenaje a mi hermano David Gustin; Para mi asombro hubo una gran receptividad que ha hecho que actualmente esté terminando mi segundo proyecto que saldrá al público el próximo mes de Septiembre de este año 2009.

– ¿En cuál de los dos ámbitos en los que se ha desarrollado se siente más cómodo? ¿Es más creativo en alguno en especial? ¿Siente preferencia por alguno?:

– Es un punto interesante e importante. Muchas personas me preguntan constantemente, “no te quita tiempo la pintura para componer o a la inversa”. La respuesta es No. Ellas se complementan de una forma excepcional, son amigas y hablan una con la otra… ellas no son más que la expresión de una misma alma, instrumentos que dialogan en un mismo concierto, que sencillamente necesitan decir algo en forma de colores y de notas musicales. Siento que soy igualmente creativo en ambas pero con acercamientos distintos, la pintura exige un dejo de mayor sufrimiento y la música me relaja y me traslada a otro universo sacándome de mi mismo..

Definitivamente si en algún momento pudiera en términos reales, no ficticios o de pura abstracción, yo quisiera llegar a fusionar ambas manifestaciones para lograr generar una forma de expresión única… Por los momentos tal vez la tecnología de la cual disponemos no nos permite traducir un color a una nota o viceversa, o por lo menos la tecnología de la cual yo dispongo.. sin embargo mi pensamiento se acerca a una sinfonía de colores y de hecho pienso que mi trabajo musical expresa imágenes y colores; de la misma forma mi trabajo plástico, que es una exploración en el color, también expresa una sinfonía de notas musicales, que de alguna forma construyen acordes…

La traducción de algo puramente espacial y bidimensional a algo intangible y que significa un desplazamiento en el tiempo como es la música, hace muy complicada la fusión real y no estoy hablando de cine, hablo de una verdadera sinfonía de colores , traducciones literales de una a la otra, la nota que refleja un color pre establecido o lo inverso… Es curioso pues ya en la modernidad ciertos compositores como es el caso de Debussy hacía ciertas presentaciones públicas con algo que el denominaba los pianos de luz, que de una forma muy incipiente intentaba hacer estas analogías. Así mismo si escudriñamos en bibliotecas ya existen tratados completos sobre la interacción del color y de la nota musical, intentos para traducir una a la otra…

Como acotación externa, es curioso que para los metafísicos el universo o si queremos hablar de las entidades, por supuesto para quienes crean en esos conceptos.. las almas se comunican en colores y tonalidades musicales, aun cuando por el momento ello no sea comprobable, tal vez puede que estemos en los predios de descubrir un lenguaje que trascienda a la palabra.

Mi taller musical que realmente es un simple piano vertical que tiene unos 60 años en la familia, está justo al lado de mi taller de pintura. Cuando me agoto en uno de ellos me relajo en el ámbito del otro. Son mundos paralelos que continuamente interactúan pero nunca se bloquean, todo lo contrario, uno desbloquea y ayuda a crecer al otro. La siento como esas ecuaciones químicas que son bidireccionales.. La magia del color del taller se traslada a las notas y viceversa…

Sobre tu ultima pregunta, debo reconocer que la música logra transportarme a espacios mucho más lejanos que la pintura, sin embargo la pintura genera ritos que se acercan a espacios sagrados. Ello no significa que prefiera más a una que la otra, sencillamente son distintos acercamientos. Las dos son parte de mí y construyen al mismo artista. Las suma de ellas le dan forma a mi alma.

– ¿Cuántos años tiene de ejercicio profesional?:

– En la plástica tengo 22 años de carrera profesional. En la música he comenzado a componer desde los 14 años, de hecho en este segundo disco del cual te hablé, aparecerá mi tema más antiguo de composición que se cuela como un buen vino.. en un proyecto que contiene mi composición reciente.

– Específicamente, ¿en qué se desempeña actualmente?:

– Hace un buen número de años comencé a trabajar una serie de cuadros que denominé las “Ciudades Invisibles”, todas esas obras estaban inspiradas en las fabulosas historias del escritor italiano IItalo Calvino recopiladas en un hermoso libro del mismo nombre. Esas ciudades fueron evolucionando a un trabajo sobre los “Los Barcos”, embarcaciones que surcaban grandes extensiones de agua para unir a esas ciudades de distintos continentes. En esos barcos comenzaron a aparecer unos personajes; El Náufrago, La Reina, El Rey, El Bufón, El Duque, entre muchos otros; personajes que comenzaron a habitar mis ciudades. Hoy en día trabajo una enorme serie de interesantísimos personajes, muy abstractos, casi fantasmales, que conforman mi propuesta actual. Estos personajes aún no han sido exhibidos al público.

La música, durante estos últimos 8 meses ha absorbido casi todo mi tiempo, estoy terminando de producir mi segundo disco que es puramente instrumental con algunas sorpresas interesantes en referencia a mi disco anterior. (“La Casa de David”). De hecho estoy llegando de Miami donde estábamos trabajando en la grabación de un ultimo saxofón y haciendo la mezcla y el master del nuevo disco.
¿Qué le hace un profesional destacado de esa materia?:

Yo pienso que solo el tiempo podrá decir si fuimos o no destacados en alguna materia…, pienso que en líneas generales solo somos aprendices en un universo sumamente inteligente. Somos como niños jugando a aprender como se maneja esa energía increíble que algunos llaman creatividad o tal vez debería decir divinidad. Solo los Medios de Comunicación o el Público es quién nos hace ver como algo especial. Realmente todos los seres humanos son de alguna forma especiales, solo que muchos de ellos no se han dado cuenta de su divinidad interna y del inmenso poder que tienen. El reto es como llegar a utilizar esa caja de herramientas internas que nos conducen a la luz.

– En el caso del área en la que se desempeña, ¿debe existir una combinación específica entre conocimientos técnicos y actitud personal?:

– La combinación de ambos factores puede facilitar el desarrollo de una obra de arte en cualquiera de sus géneros.

La actitud personal es un concepto muy amplio y ambiguo. La información codificada en la carga genética, es la que perfila el talento y todas las cualidades que definen la personalidad de un individuo que sumado a los factores externos, modelan nuestra escultura de vida. Toda esa carga es un co-creador y un detonante de la obra que cualquier artista genere..

La presencia de toda nuestra impronta se verá reflejada en nuestra obra. Si a eso añadimos el manejo de cierta destreza o conocimiento técnico ello nos facilitaría para desarrollar una obra. Sin embargo nada de ello es condición sine qua non, pues la obra ingenua no maneja altos conocimientos técnicos, pero puede llegar a ser tan sublime como cualquier otra expresión más “académica”. Pienso que en el arte hay muy pocas reglas y las asociaciones firmes como dogmas o axiomas de tipo religioso son prácticamente imposibles de establecer y generalmente desechadas con rapidez en el tiempo. En las artes no existe un tiempo lineal, es en mi opinión bastante circular o tal vez tiene una forma de espiral; siempre recoge datos del pasado como referencia para abrir nuevos caminos.

– Casos difíciles que haya tenido que enfrentar en la profesión:

– En una oportunidad fui invitado, para pintar un telón para una ópera. Realmente nunca entendí si fui invitado como artista o simplemente como un carpintero que debía pintar un telón previamente diseñado y formar parte del equipo que trabajaría en la realización corpórea de una escenografía diseñada por una Arquitecto que no viene al caso nombrar, para la obra “L’elisir d’amore” de Gaetano Donizetti, ópera que se estrenaría en el Teatro Teresa Carreño junto al tenor invitado Aquiles Machado. Sin embargo como me pidieron trabajar en un atardecer yo sencillamente procedí a usar mi imaginación para ello y desarrollar una pintura de gran formato que tuviera cierto sentido estético….

Aun cuando existían diversos roces entre los distintos componentes del equipo, yo lo asumía como parte del proceso cuando enfrentamos un trabajo en grupo, sobretodo para aquellos que venimos de la plástica y estamos acostumbrados a trabajar en la soledad del taller. A pesar de ello todo fluía con cierta o aparente normalidad.

Dos días antes del montaje final en preparación del ensayo general, se sube el telón final para ser izado en la parte posterior del escenario como telón de fondo, evento extremadamente emocionante, cuando aquella tela de casi 220 mt2 va subiendo de forma imponente al escenario. En mi haber interno, a pesar que lo realizado no compete directamente a mi creación pura, el proceso general de interpretación de ciertos parámetros había sido de mucho interés y creo que se había logrado con éxito la propuesta lo cual pensaba transcurría con toda normalidad. Sin embargo, sin yo saber, ya existían posiciones adversas en relación al telón.

Al día siguiente me ausento del teatro, pues “supuestamente” había cumplido con mi obligación y me dediqué a colocar las cosas en orden para continuar mi trabajo de taller. Ese día en la tarde, recibo una llamada del asistente del Gerente de Producción que me anuncia la decisión unilateral por parte de la escenógrafo y el director de escena, para desmontar el telón, situación extremadamente extraña en días tan cruciales, sin embargo, no nada más ello estaba ocurriendo, el mismo había sido intervenido pictóricamente sin mi autorización, para intentar lograr lo que ellos pensaban que debía haber sido la obra final, por supuesto esta acción culminó en la destrucción del telón previo para dar nacimiento a una aberración apastelada e insólita que ellos denominaban cielo.

Mi telón había sido catalogado de una suerte de cumbres borrascosas que no podía aparecer bajo ningún pretexto en esta obra que a toda costa bajo su interpretación muy rígida debería ser más lúdica, sencillamente una simpleza de criterio.

Pero siempre sacamos cosas positivas de las cosas. Me di cuenta que era capaz de pintar una tela de tal envergadura, así que estoy listo para cualquier otro telón que surja en mi carrera.
Tendencias actuales o futuras de la profesión:

En relación a las tendencias actuales creo que ya se explica claramente cuando me preguntas sobre mi desempeño actual. En relación a las tendencias futuras de mi profesión, la verdad creo que es bastante difícil delinear un programa a futuro. Las artes sobre todo en el nivel en que los artistas trabajamos es como una suerte de caída libre en el vacío, un lienzo en blanco o un partitura en blanco es un reto increíble para los creadores. Son los procesos en sí mismo quienes van definiendo o desarrollando las tendencias futuras de una obra. Creo que existe una curva creativa que generalmente se aleja de las metas iniciales y termina generando algo muy distinto a lo que el guión original marcaba. Esto es muy frecuente en las artes puras..

En la música puedo decirte, que estoy trabajando más allá de mi segundo CD, en dos nuevos discos muy interesantes.. Pero que prefiero mantener bajo perfil hasta el momento de su lanzamiento.
Uso de nuevas tecnologías:

En estos momentos debo reconocer que he regresado a los orígenes de la pintura, a lo primario a lo sencillo, al papel y a la tela, a lo delicioso que significa trazar una línea o echar una mancha. Por un tiempo flirteé con las nuevas tecnologías, produciendo algunos experimentos que se mostraron en dos certámenes del Salón Pirelli, uno en el año 97 y el otro en el año 2000 y otras piezas del mismo tipo, una de las cuales se mostró Salón Nacional de Grands et Jeunes d’aujourd’hui en el año 2003 en el Espacio Auteil, en París. En su mayoría eran Proyectos experimentales de doble lectura, por un lado las disposición de las piezas en el espacio siempre mostraban una simbología que aludía a una primera lectura de la obra, luego las imágenes hechas en computadores daban una segunda lectura.. generalmente usaba imágenes vinculadas al cuerpo humano.

Por ejemplo en uno de los certámenes del Salón Pirelli presenté una pieza llamada Kwan, cuya traducción del chino es bastante imprecisa y significa “observar”. La lectura inicial de la obra según la disposición de las piezas en el espacio, aludía a un hexagrama del I Ching, sin embargo las imágenes de tejidos histológicos intervenidos en la computadora y pegadas en el frente de cada una de las piezas aludían a una segunda lectura que procuraba explicar la relación de cada una de las líneas de un hexagrama con las partes vitales del cuerpo humano.

De ésta forma quise unir dos lecturas, con las que logramos navegar desde el macrocosmos, traducido por la imagen que nos da el hexagrama en cuanto a su interpretación, hasta un microcosmos, situado en el contenido de cada una de las líneas mutantes.

Una metáfora de los niveles de observación del ser humano.. desde lo más primitivo hasta lo más elevado. Dos lecturas que intentan recrear la forma como el ser humano observa sus realidades, tanto en oriente como en occidente.


– ¿Cuál considera que es la anécdota o historia más importante relacionada con su desarrollo profesional?:

– En el caso de la plástica mi primera muestra individual representó en mí un momento muy importante, a pesar de haber sido una muestra muy pequeña en referencia a las que hoy en día puedo montar, aquella muestra fue una iniciación, era la ruptura entre la distancia que existía entre mi obra anónima y el público. En la música los momentos más deliciosos son cuando logro escuchar a otros músicos interpretar mi música, es realmente algo mágico… Me salgo totalmente de la música y me convierto en un escucha más… Es como si ya no me perteneciera más, pero a la vez sigue siendo parte de mí..

– ¿Ha residido en el extranjero o ha trabajado sólo en Venezuela?:

– Realmente mis últimos 20 años han sido un periplo constante entre Venezuela y el extranjero. Entre los años 91-92 residí en Nueva York en un taller sumamente pequeño que de hecho compartía con mi hermano. Luego hasta finales del 92 viví en la ciudad de Boston por 8 meses en donde trabajé en un estudio muy singular conformado por muchos edificios que se unían de la forma más insólita que te puedas imaginar.., la verdad un verdadero laberinto por no decir un verdadero disparate arquitectónico, sin embargo fue una época muy divertida… Luego regresé a Venezuela hasta el año 95, a partir del cual comencé a viajar anualmente compartiendo mis espacios de trabajo entre Nueva York y Caracas.. Desde el año 98 parte de mis viajes comenzaron a orientarse más hacia Europa la cual no conocía hasta entonces… específicamente a la ciudad de Madrid con toques muy breves a Paris y Roma, quedándome en Madrid ya fijo desde el año 2002 hasta el 2004. Ahora voy por temporadas de dos o tres meses, dependiendo de los compromisos y de mi trabajo de taller. Así mismo he trabajado en Filadelfia, y en Chicago por períodos intermitentes. Recientemente he visitado Miami fundamentalmente por mi trabajo musical.
Profesional(es) a quien admire:

La verdad son muchos, pero podría mencionarte tal vez algunos y hablaré más de quienes me inspiran.., en la plástica a Henry Matisse, Joan Miró, Egon Schiele, Paul Klee, Alberto Giacometti, Cy Twombly, Anselm Kiefer, Todos los Post Impresionistas, entre muchos otros, en la música a Beethoven, Scriabine, Satie, Rachmaninov, Fauré, por supuesto Bach, me gusta muchísimo Barber… la obra de Philip Glass, Keith Jarret, Pat Metheny, Pink Floyd, Allan Parson, Fito Páez, Jean Manuel Serrat, en fin… son tantos y de tan variados géneros, en la literatura, a José Saramago, Fernando Pessoa entre muchos otros.

– Principales satisfacciones derivadas de su ejercicio profesional:

– Realmente una sola que se resume a la forma como mi obra impacta en el público. Su reacción, sus palabras. Me emociona mucho como lo que hago mueve hilos muy profundos en el otro.

Las conexiones que se arman entre la obra y el voyeur… esa eclosión que ocurre en un punto equidistante entre el emisor y el receptor.. en ese punto que yo llamo la explosión del arte… si eso ocurre aunque sea en uno de quienes me ven o me escuchan… ha sido suficiente.. y satisfactorio.

– ¿Hay algún proyecto que, aunque lejano o difícil de lograr, desea o le falta por realizar?:

– Creo que muchos proyectos quedan por hacer, sin embargo nunca sabemos con exactitud que es lo que viene y hacia donde vamos. En mi caso particular yo permito que la obra crezca por sí misma, no trato de acorralarla, mucha planificación podría asfixiarla. Tratamos de materializar lo que pensamos pero también hay una serie de variables del proceso creativo que no manejamos conscientemente, de allí lo difícil de decirte que vendrá. Había un artista coreano llamado Nam Yum Paik que frecuentemente decía y solo me voy a permitir parafrasearlo: El arte es la consecuencia de muchos desaciertos… error tras error, se produce la obra..

No podemos controlar lo que viene, solo podemos hablar del ahora.. el futuro genera mucho estrés, es preferible permitir que se concatenen los eventos por sí solos y de esa forma permitir que se construya la obra en el tiempo.
¿Desea agregar algo más?:

Creo que ya he dicho mucho… Pero si quisiera enviar un mensaje a quienes leen estas líneas, que también son creadores en sus propios mundos, pero que por semántica a algunos nos dicen artistas y a otros no. En todos los humanos está presente ese pequeño artista. Todo lo que pensamos es posible. No hay barreras. Nuestro entorno es la materialización de nuestro pensamiento, por lo tanto debemos tratar de trabajar en ellos para crear nuevos universos no solo de arte sino de vida. Que a lo sumo, para mí, es lo mismo.